Marte. La conquista de un sueño

Si te asomas por el ojo de buey de nuestra nave podrás contemplar la inhóspita superficie de Marte, a la que llegamos tras embarcarnos a través de las salas de exposiciones de Espacio Fundación Telefónica.
Así empieza mi nuevo artículo para la revista El Duende.

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Gandía Blasco. Repensar el espacio

En el jardín, la naturaleza crece guiada por la mano del hombre y en esta se integra también el mobiliario para nuestro mayor disfrute. Uno de nuestros máximos exponentes en su diseño es la firma alicantina Gandía Blasco. Hablo de diseño y jardines con su fundador en mi entrevista para la revista El Duende.

 

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Paisajismo. La futura plaza de España

Welcome Mother Nature fue el proyecto más votado por los madrileños para cambiar el paisaje y usos de la Plaza de España. Lee mi entrevista con los estudios de arquitectura responsables del mismo para la revista El Duende.

El plan arquitectónico dedica el 90% de la superficie de la plaza al peatón, reduce el tráfico a la mitad, planta mil árboles y enlaza las grandes áreas verdes de la zona.

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Ruth Díaz, mucho más que “Tarde para la ira”

“Tarde para la ira” ha sido el punch mediático que necesitaba su carrera como actriz. Gracias a la inesperada llamada del actor Raúl Arévalo en su exitoso debut tras las cámaras, Ruth Díaz (Santander, 1975) ha conseguido salir del banquillo y convertirse en titular tras años de trabajo escaso donde estudió guion “como forma de seguir creando sin depender de la llamada de nadie”, y realizó su propio corto como directora, “Porsiemprejamón”.

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Diseñando el 2017

Nueve prescriptores de diferentes áreas del diseño y la arquitectura nos dan sus claves de lo que vendrá: Ana Domínguez Siemens, Emilio Tuñón, Belén Torregrosa, Pablo Rubio (Erretres), Dani Pearson (Domestic Data Streamers), Rufo de la Rosa (Campus Madrid), Espadaysantacruz y Henry Jenkins.

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Diane Pernet, el otro icono de la moda

“El martirio significa solidarizarse con un grupo menos numeroso y más débil, un colectivo al que la mayoría discrimina, humilla, ridiculiza, odia y persigue. (…) Cuando aceptan el martirio, las futuras víctimas no pueden saber a ciencia cierta si su muerte favorecerá realmente su causa y ayudará a asegurar su triunfo final. (…). Al aceptar el martirio, las futuras víctimas de la furia turbamulta ponen la lealtad a la verdad por encima de cualquier otro cálculo de ganancias o beneficios mundanos (materiales, tangibles, racionales y pragmáticos), ya sean estos reales o putativos, individuales o colectivos.

Esto es lo que distingue al mártir del héroe moderno. El máximo beneficio que un mártir podía esperar con su acto era la demostración de su propia probidad moral, el arrepentimiento de sus pecados y la redención de su alma. Los héroes, sin embargo, son modernos: calculan ganancias y pérdidas y quieren que su sacrificio sea recompensado.” Este texto, extraído del libro “Vida líquida” del sociólogo y filósofo Zygmunt Bauman, sirve aquí de festín narrativo para provocar la gula sobre la siempre cuestionable Diane Pernet: ¿mártir o heroína?

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Premios Concesionarte 2016

“Los artistas urbanos no son vándalos, sino artistas que tienen y generan un vínculo emocional muy fuerte con la ciudad en la que trabajan”, así de claro lo tiene Sue Esteban, es decir Sue975, ganador del primer premio de Concesionarte con “Cubos de acera y césped”.

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Fragilidad y mundos suspensivos

Ser la primera artista española requerida por una firma como Hermès para realizar su “Carte Blanche” en escaparates de todo el mundo (Hong Kong, Dubai, Taiwán, Estados Unidos…) allá por el 2012 ha hecho de la artista Pamen Pereira (Ferrol, 1963) un nombre (re)conocido en un ámbito, en principio tan ajeno al suyo, como es el de la moda. Su trabajo, entre onírico, surrealista y preciosista, no pasó desapercibido para Karen Azzinnari, directora de comunicación de Hermès España en aquel momento, quien propuso a la sede de París, desde donde se dirige todo, la participación de la artista.

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Viajes en el tiempo. En serio[e]

Ya en 1895 el archiconocido H. G. Wells dejó su impronta en nuestro imaginario colectivo a través de su icónica novela “La máquina del tiempo”. Tanto es así que la posibilidad de su existencia parece materializarse poco a poco en nuestro presente (los lectores más descreídos podrán ahora alargar sus sonrisas hasta el infinito y más allá, pero no olvidemos que en diferentes foros científicos se comenta que el colisionador de hadrones podría ser la primera máquina del tiempo). Señores, la ciencia ficción es cada vez más ciencia y menos ficción.

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Erwin Olaf, un champagne en blanco y negro

“Las fotografías, como el champagne, necesitan de la oscuridad para encontrar la luz”. Así de categórico y acertado se muestra Erwin Olaf (Holanda, 1959) al presentar su nuevo trabajo, “Light”, una obra en blanco y negro compuesta por 26 imágenes inspiradas y creadas en las famosas “crayeres” de la Maison Ruinart en Reims (Francia), reconocidas como Patrimonio Mundial de la UNESCO.
Le entrevistamos durante su reciente visita a Madrid para la presentación del proyecto en España. 

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Coincidiendo con el 120 aniversario de la primera colaboración de la maison de champagne más antigua del mundo con un artista, el fotógrafo holandés se ha inspirado en la imagen de la obra del checo Alfons Mucha, el primero en colaborar en este proyecto centenario, pero concibiendo una obra más abstracta. La oscuridad y el silencio de las centenarias cuevas de Reims, los rostros y rastros que sus paredes revelan al visitante, y la introspección cada vez mayor del trabajo fotográfico de uno de los grandes referentes internacionales han convertido la última colaboración con el arte de Ruinart en un blanco y negro total. Erwin Olaf ha dejado atrás puntualmente su estética colorista y algo artificiosa, casi teatral, y ha vaciado de personajes sus imágenes. Lo que ha permanecido es el protagonismo de la luz y su sempiterna Hasselblad.

¿Qué le ha llevado a trabajar con Ruinart?
Aunque he hecho muchos anuncios durante los últimos años, doy un poco por terminada esta etapa, ya no aprendo gran cosa. No obstante, las facetas comercial y artística se están acercando mucho últimamente, y ese ha sido el caso de Ruinart. Para mí esto es algo nuevo, porque he podido hacer lo que me gusta sin directrices previas. La única restricción era reflejar la historia de Ruinart. Lo bueno de este trabajo es que he tenido que cuestionarme qué podía y qué no podía hacer, lo que significaba redescubrir parte de mi talento, volver a la simplicidad de la fotografía, a solo fotografiar paredes y alejarme del lado más publicitario, al blanco y negro que ya utilicé en series como “Squares”, “Chessmen”, “Blacks”, “Waiting”… como la mejor traducción de la experiencia que vives allí dentro. Todo este proceso me llevó alrededor de un año mientras iba haciendo fotos, analizando si era bueno o no, si era demasiado poético. Quería hacer algo fuerte y realista, nada de cuentos de hadas.

¿De qué manera ha ido evolucionando o cambiando su trabajo con el tiempo?
Mi trabajo ha cambiado mucho, pero siempre ha sido un reflejo de lo que soy en cada momento. De hecho, mis fotografías se pueden concebir como un diario en formato fotográfico. Cuando empecé, me centraba en las inseguridades sobre mi vida sexual. Al cumplir los 30 me hice más agresivo, más ambicioso, un hombre fuerte que quiere gritar “mírame, aquí estoy”. Y cuando alcancé los 40 y los 50 me convertí en alguien más reflexivo, alguien que se hace autorretratos que reflejan la pérdida de salud, la espera, la soledad. Cuanto más avanzo en mi carrera, menos quiero lanzar un mensaje y más quiero empezar un diálogo. Por ejemplo, “Royal blood” tiene un claro mensaje: “esto es lo que pienso, esto es lo que me gusta”. Desde entonces, he hecho series como “Rain” o “Grief” que hacen que te preguntes ¿qué está pasando? ¿qué crees que está pasando?, cosa que me parece más interesante, porque genera un diálogo.

Sus fotografías muestran un universo muy particular. ¿Crea su propio mundo porque no le gusta el que ve?
No me gusta esa aproximación negativa. He hecho cosas desde esa actitud y, sinceramente, no permanecen. Creo que se debe trabajar sobre ideas que aportan algo al mundo, pero esas ideas tienes que sentirlas en lo más profundo de tu ser y, de alguna manera, necesitar expresarlas. No puedes ser un artista que se mire el ombligo, tienes que ser consciente de lo que pasa a tu alrededor y contribuir, no como un manifiesto, sino como una transcripción. Yo pertenezco a una minoría sexual, y creo que debo decir algo al respecto, al igual que las mujeres deben luchar por sus derechos.

¿Cuál es su método de trabajo?
Es muy simple. Tengo una idea, y hago un pequeño boceto sobre ello. Posteriormente, se lo cuento a mi equipo y empezamos a hablar sobre ello: si ocurre en el pasado, el presente o el futuro, el tipo de luz, colores, el casting… luego recibo sus propuestas y tenemos otra reunión. A continuación, llegan las fotos y las cosas van creciendo por sí solas y pueden acabar convirtiéndose, por ejemplo, en una instalación.

¿Cuál es el mejor consejo que le han dado?
El mejor consejo que me han dado y el que yo también daría es que, una vez has logrado tener tu propio estilo, permanezcas fiel a ti mismo. Eso es muy importante. Y, por lo menos, mantente durante cinco años haciendo lo mismo, porque es el tiempo necesario para que el mundo sepa que existes. Tú acabas aburrido de tu trabajo, pero el mundo todavía no es consciente de tu existencia. Hay que ser paciente.

Entrevista realizada por mí y publicada en la revista El Duendehttp://bit.ly/2aobgWi